Evan Glodell, director, escritor y actor principal de su opera prima Bellflower ha concedido una entrevista exclusiva a ''Snootchie Bootchies", posiblemente la primera entrevista concedida a un sitio de habla castellana.
1. ¿Quién es Evan Glodell?
Yo soy un cineasta de Baraboo, WI. Me mudé a Los Ángeles en 2001 para seguir haciendo cine y después de diez años haciendo cortos sin presupuesto con los amigos he decidido hacer mi primer largometraje, Bellflower.
2. ¿Cuál es tu director favorito? ¿Y tu película?
Lo siento, he evitado esta pregunta totalmente hasta el momento. Es muy difícil de contestar porque hay muchos grandes directores y películas. Últimamente creo que disfruto viendo películas que están dirigidas firmemente por el escritor/director porque normalmente presentan una clara visión personal.
3. ¿Has hecho algo más relacionado con el cine antes de Bellflower?
He hecho decenas de cortometrajes, algunos videos musicales y de vez en cuando trabajo por contrato en proyectos pequeños como director de fotografía.
4. ¿Cuándo y como nació la idea de Bellflower?
Se me ocurrió después de una muy intensa relación y ruptura que pasó hace casi diez años.
5. ¿La película tiene algo de autobiográfico?
La película es ficción, pero muchas de las ideas y temas están basados en mi vida y relaciones que he tenido
6. De tu película se han dicho muchas cosas: Que es una historia de autodestrucción, que trata sobre la estupidez del hombre ante una ruptura, que es una historia de redención o incluso que es una crítica a una parte de la sociedad americana. ¿Hiciste la película con la intención de que se entendiera de una única manera o querías que cada uno sacara su propia conclusión al final del film?
Sobretodo quiero que la gente entienda la película a su manera. He estado mucho tiempo trabajando en ella y aún ahora a veces encuentro cosas que no sabía que estaban ahí.
7. ¿Qué te parece que comparen Bellflower con "El Club de la Lucha" y a ti con el nuevo Tarantino?
Es muy halagador ser comparado con tales películas y cineastas con talento. Solo soy otro cineasta, pero me hace sentir esperanzado el que algunas personas les guste Bellflower lo suficiente como para decir estas cosas.
8. La película es estéticamente muy fuerte y rompedora, en gran medida gracias a la cámara ¿Cómo se os ocurrió construir una cámara especial para el film? ¿Tuvisteis dificultades?
Es un hobby que he tenido durante muchos años, customizar cámaras. Así que solamente trabajo de esa forma. Ya tengo dos cámaras nuevas preparadas para el siguiente proyecto. Al principio, cuando empezamos a grabar Bellflower, se rompían casi diariamente y eso hizo que las cosas fueran más lentas teniendo que repararlas constantemente. Por suerte estoy mejorando y las nuevas son más fiables.
9. Háblanos un poco sobre el discurso de Lord Humungus.
Esta es una complicada. Hay muchas cosas distintas que podría decir sobre el discurso de Aiden al final de la película. Lo más general que puedo decir es que él ve la razón por la que su amigo está confuso y pretende gastarle una broma para hacérselo ver. Por el tipo de tíos que son, él no puede solamente decirle "Hey tio, has cometido algunos errores en tu relación y no puedes solamente culpar a Milly, también es tu culpa. Debes hacer algo." En vez de eso, él le hace fumar hierba para ponerlo en un estado susceptible y ponerse a despotricar como un loco llamándole Lord Humungus y especulando como podría haber hecho las cosas de un modo diferente.
10. El público español pudo ver la película en el festival de Sitges, donde ganó el premio a mejor película por el jurado "Carnet Joven". ¿Hay planes para la distribución en España o al menos de incluir subtítulos en español en alguna edición del DVD?
Sé que hay un plan para la distribución, no he escuchado la última palabra, pero imagino que habrá subtítulos.
11. ¿Tienes un próximo film en mente?
Sí, estoy terminando mi próximo guión ahora mismo. He estado trabajando en ello a tiempo parcial durante casi dos años y espero que esté en producción el primer semestre del año que viene.
12. ¿Alguna anécdota sobre el rodaje?
Sí, el discurso de Tyler (discurso de Lord Humungus) al final de la película fue grabado dentro de "El coche Medusa" conmigo, Tyler y un micrófono solos a las 3 de la madrugada aparcados en una calle cualquiera sin salida en Ventura. Siempre pienso en ello cuando veo el final de la película y nunca le he dicho nada a nadie.
13. ¿Unas palabras para el público español?
No estuve en Sitges cuando ganamos el premio, nunca he estado en España, y realmente me gustaría ir. He escuchado que el recibimiento que tuvo la peli fue muy bueno, y solo quiero decir que gracias a todos los que vieron la peli y nos apoyaron.
I am a filmmaker from Baraboo, WI. I moved to Los Angeles in 2001 to pursue filmmaking and after ten years of making no-budget short films with friends i decided to make my first feature film Bellflower.
2. What is your favorite director? And movie?
I apologize, i have avoided this question completely so far. It's too hard to answer because there are so many great directors and films. Lately i seem to enjoy seeing films that are heavily writer/director driven because they often present a very clear personal vision.
3. Do you do something more about the cinema before Bellflower?
I made dozens of short films, a few music videos and occasionally work for hire on smaller projects as a cinematographer.
4. When and how born then idea of Bellflower?
It came to me after a very intense relationship and breakup i went through almost ten years ago.
5. The film have something autobiographical?
The film is fiction, but many of the ideas and themes are based on my life and relationships i have been in.
6. From your movie they have been said a lot of things: That is an history of self-destruction, that treat about the silly of man in view of a breaking-off, that is an history about redemption or even that is a review for the other hand to the American society. Did you do the film with the intention that we understand it in only one way or you want that we give our own conclusions about the final of the film?
I absolutely want people to take the film in their own way. I spent a lot of time working on it and even now i sometimes find things in it that i didn't realize were there.
7. What do you think about make a comparison with Bellflower and "Fight Club" and say that you are the new Tarantino?
It's very flattering to be compared to such talented filmmakers and films. I am just another filmmaker, but it makes me feel hopeful that some people like Bellflower enough to say things like that.
8. The film is aesthetic very strong and breaking, in a big measure thanks to the film camera? How did you think about to make a special camera for the film? Did you have some difficulties?
It is a hobby i have had for many years, customizing cameras. So it is just how i work. I already have two new cameras built for the next project. When we first started shooting Bellflower they would break almost daily and it slowed things down quite a bit having to constantly repair them. Hopefully i am getting better and the new ones are more reliable.
9. Tell us a little bit about Lord Humungus speech.
This is a complicated one. There are many different things you could say about Aiden's speech at the end of the film. The most broad thing i can say is that he sees what his friends is confused about and is pretending he's making a joke to help his friend see. The kind of guys they are, he can't just say to him "Hey man, you made some mistakes in your relationship and you can't just blame Milly, it's your fault as well. You need to move on." Instead he makes his friend smoke weed to put him in a susceptible state and goes on a crazy rant calling him Lord Humungus and speculating about how he could have done things differently.
10. The Spanish audience could have see the film in Sitge's Festival, where won the prize to the better film from the jury "Carnet Joven". There was some plan about the distribution in Spain or include subtitles in spanish in some edition of DVD?
I know there is a plan for distribution there, i haven't heard the final word, but i imagine there will be subtitles. 11. Do you have another film in your mind?
Yes, i am finishing my next script right now. I have been working on it part time for almost two years now and hopefully will be going into production in the first half of next year.
12. Do you have some anecdote about the filming?
Yes, Tylers speech(Lord Humungus speech) at the end of the movie was recorded inside the Medusa car with just me, tyler and a microphone alone at 3am parked on a dead end on some random street in Ventura. I always think about that when i see the end of the movie and i have never told anyone.
13. Can you tell us, some words to the spanish public
I wasn't at Sitges when we won the award, i have never been to Spain and i would really like to go. I heard the reception for the film was very good and i just want to say thank you to everyone who saw it and supported us.
Thanks again to grant me a interview.
A greeting and y hope that you will be all right.
Agradecimientos especiales a Jose Domínguez y a Dani Ramírez por la traducción.
Si, se que no hace mucho ya hice una micro crítica de esta película coincidiendo con que vi su estreno en el festival de Sitges, pero un segundo re visionado que me ha ayudado a comprender mejor todos los cabos del film me ha obligado a escribir esta reseña mas extensa y donde revelare puntos clave para que el pequeño rompecabezas final quede bien resueltos y sin dudas.
Así que si aún no habéis visto la película poneos a ello y una vez terminada volvéis aquí para aclarar alguna duda que os ha surgido o directamente para compartir vuestro punto de vista, que quizás sea alejado del mío.
Abrochaos el cinturón y encended el lanzallamas que ¡allá vamos!
El film trata sobre dos amigos (Woodrow y Aiden) obsesionados con Mad Max desde pequeños y que parece que lo único que tienen en la cabeza es como conseguir un coche apocalíptico y terminar de montar su lanzallamas, para llegado el día del Apocalipsis poder ser los amos de la carretera, formando la banda "Mother Medusa"
Los primeros minutos del film son importantes, me refiero a la introducción, donde vemos que algo gordo a pasado y vamos rebobinando hacía atrás mostrándonos cosas que supuestamente tienen que pasar para terminar con un plano de nuestro protagonista demacrado mirando una caja con el nombre de "Mierda de Milly".
Regresamos a la película y os sigo contando, una noche en un bar Woodrow conoce a Milly mediante un concurso de comer grillos, hay química entre los dos y ambos están bastante zumbados. Aiden conoce a Courtney con la que irá tonteando cada vez más a lo largo que avanza el film.
Woodrow y Milly en su primera cita y a lo loco se recorren medio país para ir al restaurante más asqueroso que recuerda haber visto, y la cosa no termina bien.
La cosa es que los dos se gustan y Woodrow le pide a Milly que sea su novia, ella le advierte que el no quiere eso, que todo saldrá mal y que le hará daño. El le insiste en que eso no pasará y empiezan una relación.
Hasta aquí sería la primera parte del film, que sería el inicio de esta peculiar pareja, como se conocen, como se enamoran, pero también como empieza el distanciamiento de la relación amistosa con Aiden.
Hacemos una elipsis de x tiempo y vemos a Woodrow con barba y a Milly en casa de este, ya llevan un tiempo juntos, este insiste en que no le gusta como le queda la barba y Milly insiste en que se la deje. Empiezan las preguntas, las llamadas sospechosas, los celos y vemos que Milly está agobiada y que para rematar no contesta al "te quiero" de Woodrow, parece ser que ella ya se ha cansado.
Vemos una charla entre los dos amigos para ver que las cosas tampoco van bien entre ellos, mientras Aiden sigue trabajando en el proyecto Medusa, Woodrow se ha ido distanciando por culpa de su relación sentimental y dejándolo más de lado.
Al volver a casa asistimos a la dolorosa realidad, Milly esta acostándose con su ex compañero de piso y Woodrow se derrumba. Después de una tensa situación decide coger la moto y pirarse a toda leche sufriendo un accidente.
Woodrow sale del hospital bastante hecho polvo, Aiden esta allí como siempre y le cuenta que esta construyendo un coche apocalíptico para él.
Una noche llega Courtney para ver como está y acaban acostándose, siendo esto mas para joder a Milly (ya que esta es su mejor amigo) que para joder a Aiden.
Luego vemos a los dos amigos charlando mientras Aiden sigue construyendo el coche, a Woodrow se le ve muy afectado y recuerda una noche con Milly, cuando le regaló un colgante de una moto sierra con el logo de "Medusa" ya que ella en la primera cita le dijo que quería formar parte de la banda, asistimos a otro recuerdo de los dos estando bien antes de verse empañado por la "pillada" con el compañero de piso. Aiden ha terminado el coche.
A la mañana siguiente viene el compañero de piso de Milly a por las cosas de esta lo que afecta mucho a Aiden y le dice que se largue y como lo vuelva a ver por allí lo matará. Decide poner todas las cosas de Milly en una caja para que luego Woodrow las queme.
Volvemos al plano del principio con Woodrow demacrado (ahora ya sabemos por que) observando la caja. Y este es el punto de inflexión de la película. Sigamos que luego volvemos.
Con toda la ira y la rabia por los acontecimientos recientes Woodrow coge las cosas de Milly y su lanzallamas y se las arroja al jardín de su casa, prendiéndoles fuego (imagen que vemos al principio).
El camino hacía el apocalipsis ha comenzado.
Aiden descubre que su amigo está con la chica que le gustaba a él, pero no se lo hecha en cara y salen a probar el coche.
A la vuelta el compañero de piso de Milly se vengará de lo sucedido destrozando el coche, Aiden le quita el bate (otra imagen que veíamos al principio) y le golpea en la cabeza mortalmente (esto lo sabemos unos minutos después cuando llega alguien a casa de Milly diciendo que tiene malas noticias), Aiden huye.
Woodrow y Courtney siguen junto, pero este parece cada vez más inestable y quiere largarse de allí. Milly quiere vengarse y contrata a un tatuador para que le haga barba y bigotes permanentes a Woodrow a cambio de sexo. A la vuelta de la compra, lo drogan y le hacen la putada.
Se va a desatar el apocalipsis.
Woodrow despierta muy mosqueado al ver como le ha quedado la cara. Courtney decide irse con Woodrow y al ver lo que le han hecho va a casa de Milly teniendo una pelea con ella (otro momento que veíamos al principio junto al siguiente con Woodrow conduciendo su coche apocalíptico a toda pastilla).
Woodrow va a casa de Milly y otra escena muy tensa, este le pregunta a ella por que coño le ha hecho eso en la cara a lo que ella responde que solo quería verle. Woodrow la desnuda y ambos van al suelo, recordamos la primera vez que lo hicieron ambos en paralelo a esta, y Woodrow le hace daño.
Asistimos al apocalipsis.
Woodrow sale de casa de Milly con la camisa ensangrentada (otra imagen del inicio), le ha hecho algo muy malo a Milly, por la cantidad de sangre, parece que la ha matado. Courtney le sigue y este pasa de ella, ella se vuela los sesos de un disparo, el sigue avanzando por la calle (con cada vez menos sangre en su camisa) gritando hasta que finalmente termina derrumbándose en el suelo, mirándose las manos ensangrentadas, la culminación de toda la rabia y el dolor.
¡PUM¡ Volvemos a la escena de Woodrow mirando la bolsa con las cosas de Milly.
Llegamos al último capítulo y al más fascinante de todos con un trepidante montaje.
Vemos a Aiden y Woodrow por ahí con el coche apocalíptico haciendo el cabra. Hay un plano importante donde sale el colgante de Milly de Medusa en el retrovisor del coche.
Y entre la sucesión de imágenes viene un dialogo dicho por Aiden digno de reseñar.
''¡Eres el puto Lord Humungus! ¡Amo del fuego! ¡Rey del mundo devastado! A Lord Humungus no lo engaña ninguna estupida zorra. Lord Humungus no pregunta ¿Te ha gustado?, ni ¿Quién te ha llamado?... ni ¿Dónde estuviste anoche?. No abandona el puto juego cuando se enamora. Nadie le dice a Lord Humungus que hacer. Lord Humungus pelea cuando quiere pelear y jode cuando quiere joder. Y cuando todo eso falla, conduce hacia la cisterna de gasolina. Lo que pasa es que Lord Humungus domina a sus mujeres. Y por eso le aman, joder "
Y entre todo este montaje regresamos a la escena de Woodrow tendiendo en el suelo, derrumbando con las manos llenas de sangre y aparece Milly ensangrentada, se miran y se abrazan.
Aiden le dice que deberían pirarse y pasar de todo, como realmente dijeron que harían, Woodrow se disculpa por lo sucedido, tanto por dejarlo de lado como por acostarse con Courtney.
Y llegamos a los títulos de crédito, que me parecen de lo mejorcito que he visto, ya que nos juntan la última pieza del rompecabezas y la que hará encajar todo.
Woodrow está en la playa quemando las cosas de Milly, recordando los buenos momentos pasados con ella, de golpe se levanta como buscando algo que no quería destruir, el colgante de "Medusa" que le regaló y se lo queda como recuerdo (hacemos la conexión con el plano de los amigos pirándose con el coche y el colgante en el retrovisor), junto a las cosas buenas que pasaron mientras quema el resto.
El último plano es el de los dos amigos disparando en medio del desierto para meternos una imagen subliminal de "Mother Medusa", lo han conseguido.
Ahora vamos con las aclaraciones y como he entendido ya la cosa, el plano mas importante de la película es el de Woodrow mirando la caja con las cosas de Milly, en el momento en el que ocurre eso realmente en el film asistimos a la ira del protagonista, a lo que le gustaría hacer para joderla bien, para devolverle lo que le ha hecho, teniendo en cuenta que son pensamientos del protagonista entra en sentido varias cosas que de otro modo no lo tendrían. Es mas lógica la desaparición de Aiden, utilizándolo en su mente para hacer daño al compañero de piso de Milly, tiene más lógica también lo del tatuaje, sabiendo que ella sabe lo poco que le gusta la barba y el bigote y presuponiendo que se lo pediría a cualquiera que pillara a cambio de sexo (le ha engañado a él, es una chica sin escrúpulos y seguro que haría algo así para joderle), pero claro, lo haría por que le necesita y quiere verle, este le haría mucho daño para vengarse, la destruiría, la mataría. Damos también coherencia a la escena de Courtney pegándose un tiro, ya que en la propia mente de Woodrow este diría, pírate de aquí que ya no te necesito. Por último entraría en escena el tema de las manchas de sangre, que mediante va avanzando se va limpiando, como síntoma de arrepentimiento y de que no es real. Y tras toda la rabía desahogada, llega la redención, aparece Milly y se abrazan haciendo las paces consigo mismo, perdonando y pasando página. Aquí vendría la escena del principio de la película, rebobinando hacía atrás hasta el momento en que está mirando la caja y tras rediminirse y perdonar a Milly interiormente decide quemar sus cosas como despedida, quedándose con los momentos buenos y el colgante como recuerdo y finalmente pirarse con Aiden, el coche apocalíptico y el lanzallamas ha hacer el loco por el desierto.
Y después de toda la parrafada argumental llega la opinión personal del film.
Lo disfruté enormemente la primera vez y lo he disfrutado aún más la segunda, terminando de atar cabos, la sensación ambas veces ha sido de estar ante una de esas películas que se convierte en clásicos personales instantáneos y que te hacen sentir esa sensación tan especial que tan pocos films te hacen sentir.
La estética es genial y el montaje arrollador, destacando el último capítulo que te deja con la boca abierta, tanto por el montaje como por la forma de narrar la historia que tiene el director.
Evan Glodell, el escritor, director y actor principal de su opera prima. Un nombre muy a tener en cuenta
Y para terminar un apunte, el titulo, es el nombre de una flor, de una ciudad y la traducción al castellano sería Campanilla, nombre del hada de Peter Pan que solo puede tener un sentimiento a la vez. ¿Hacéis la conexión? ;)
Si lo se, hago las reseñas con retraso, vamos al lio.
El último día del festival se nos presenta con una secta religiosa con muy mala uva, una de secuestros montañeses y una de sicarios.
¡Venga que vamos tarde!
RED STATE
Estados Unidos. 2011.
Director: Kevin Smith Producción: Jonathan Gordon Guión: Kevin Smith Fotografía: David Klein Montaje: Kevin Smith Interpretes: Melissa Leo, John Goodman, Michael Parks, Stephen Root, Ralph Garman
Sinopsis: Las hormonas pueden ser muy traicioneras. Y si no que se lo digan a los adolescentes que, atraídos por un anuncio que promete sexo en grupo con una mujer madura, caen en la trampa de un grupo de fanáticos religiosos dispuestos a erradicar con métodos extremos la libido de la juventud norteamericana. Con Red State, Kevin Smith se adentra en el horror más virulento y real y suelta bilis contra los conservadurismos de todo tipo. Para ello cuenta con un reparto encabezado por la recientemente oscarizada Melissa Leo, el gran John Goodman y Michael Parks, uno de los actores predilectos de Quentin Tarantino (quien, por cierto, ya ha declarado su admiración por esta película).
A esta le tenia muchas ganas, era de mis predilectas por ver en el festival junto a Bellflower, y es que al tito Kevin lo quiero mucho y tras sus últimos deslices en el cine (yo creo que "hacemos una porno" no es tan aberrante como pintan muchos) quería ver como le sentaba este cambio de genero. Y ha sido grata la sorpresa.
Y es que la película podría ser del montón si no fuera por unos puntos y unos giros de lo más originales, eso y los toques de humor y diálogos geniales a los que ya nos tiene acostumbrados.
Y es que la película hace algo tan genial como presentarnos a los malos, presentarnos a los buenos, y igualarlos en grado de hijoputismo, no os cuento un punto clave de esto ya que os chafo uno de los grandes momentos del film.
Por ultimo el discurso final del agente de policía es brillante, de los que te hace reflexionar.
Los personajes todos geniales y las interpretaciones igual.
Gracias Kevin, por otra joyita.
Lo mejor: La originalidad en ciertos puntos. El discurso final. El humor.
Lo peor: Tanto tiroteo llega a cansar.
A LONELY PLACE TO DIE
Inglaterra. 2011.
Director: Julian Gilbey Producción: Michael Loveday Guión: Julian Gilbey, Will Gilbey Fotografía: Ali Asad Montaje: Julian Gilbey, Will Gilbey Música: Michael Richard Plowman Efectos visuales: Molinare Efectos especiales: Scott McIntyre Interpretes: Melissa George, Ed Speleers, Eamonn Walker, Sean Harris, Alec Newman
Sinopsis: Un grupo de cinco alpinistas se encuentra escalando las montañas de Escocia cuando, accidentalmente, dan con una niña que ha sido enterrada viva. Tras rescatarla, se dirigen al pueblo más cercano en busca de ayuda, pero los captores de la chica los están vigilando de cerca... Para formarse una idea de lo en serio que Julian Gilbey se tomó la película, basta decir que pasó tiempo entrenando en las alturas para conocer de primera mano el reto al que se exponían sus personajes y diseñar una puesta en escena que capturase el vértigo de las localizaciones. Un thriller potentísimo que deja noqueado al espectador.
Estamos ante una película de secuestros, pero una película de secuestros potentísima.
Primero juega con nosotros con el tema de la escalada, con planos vertiginosos y escenas que realmente duelen e impactan, para después trasladarnos a un pueblo donde la adrenalina no desaparecerá.
Es un film muy bien rodado, con un ritmo vertiginoso que hace que no puedas apartar la vista de la pantalla en ningún momento.
A destacar los papeles de los secuestradores.
Grata sorpresa.
Lo mejor: Las escenas de escalada, las huidas y los secuestradores.
Lo peor: El final podría haber sido mas fluido.
KILL LIST
Reino Unido. 2011. Director: Ben Wheatley Producción: Claire Jones, Andy Starke Guión: Ben Wheatley, Amy Jump Fotografía: Laurie Rose Montajee: Robin Hill, Ben Wheatley, Amy Jump Música: Jim Williams Sonido: Martin Pavey Interpretes: Neil Maskell, Michael Smiley, MyAnna Buring, Emma Fryer
Sinopsis: Tras un accidentado trabajo en Kiev que le dejó violentas secuelas psicológicas, Jay, un soldado reconvertido en asesino a sueldo, lleva ocho meses sin trabajar. Su mujer y su hijo deben sufrir su crispación, hasta que Gal, un amigo, le propone un encarguito. La lista de objetivos no es muy extensa, pero el trabajo terminará por arrastrar a Jay hacia el corazón de las tinieblas. Con una nerviosa cámara al hombro y una iluminación realista, Kill List arranca como el clásico drama familiar británico para, en poco más de hora y media, terminar sumiéndonos en los dominios de la violencia y la locura.
La película empieza bien, con unos personajes carismáticos, ex militares que ahora se hacen sicarios y que además son amigos que a la mínima ya se están dando de leches, vale, guay.
El film va avanzando y la cosa se va poniendo mejor con los asesinatos, dándonos momentos de humor negro geniales y una escena brutal martillo en mano muy explicita.
Pero llega el giro final del film y lo manda todo a tomar por culo.
Que manera de destrozar una película con lo bien que estaba yendo metiéndole una paja mental del copón que no hace otra cosa que provocarte cara de WTF? Durante el último cuarto de película.
Lástima...
Lo mejor: Las 3/4 partes.
Lo peor: La 4ª parte.
Y esto ya se acaba, el festival llega a su fin y aquí viene mi difícil TOP 5 de lo mejor y lo peor que ha pasado este año por Sitges a nivel personal.
LO MEJOR
5. Leafie
4. Revenge: A love Story
3. Red State
2. Attack the Block
AND THE WINNER IS....
1. BELLFLOWER
Por su originalidad, su estética y las emociones que me a logrado transmitir. El gran descubrimiento personal de esta edición. Un corazón roto en mil pedazos puede desencadenar el fin del mundo.
LO PEOR
5. Kill List
4. The murder farm
3. The Moth Diaries
2. The other side of sleep
AND THE WINNER IS...
1. Sleeping Beauty
Por tomadura de pelo de proporciones cósmicas.
CIERRE Y DESPEDIDA
Este año se acaba, han sido 10 días de mucho cine y como siempre, sus gratas sorpresas y sus truños más grandes. Han sido un total de 29 películas visionadas y reseñadas lo cual me ha dejado un pelín agotado para ser mi primer festival de Sitges en serio.
Espero que hayáis disfrutado de las reseñas tanto como yo escribiéndolas.
Nos leemos en el próximo festival... o quien sabe... quizás antes...
Y en el 9º día de festival se nos plantea una atípica autobiografía de un mangaka, una sobre clonaciones con decisiones morales y otra de terror subjetivo en el espacio.
¡Vamos al lio!
TATSUMI
Singapur/Indonesia. 2011. Director: Eric Khoo Producción: Tan Fong Cheng, Phil Mitchell, Freddie Yeo, Eric Khoo Guión: Eric Khoo, basat en l'obra de Yoshihiro Tatsumi Dirección de animación: Phil Mitchell Animadores: Rafael Bonifacio, Jebbie Barrios Música: Christopher Khoo, Christine Sham Sonido: Kazz Con: Tetsuya Bessho, Yoshihiro Tatsumi
Sinopsis: Dueño y señor del manga, Yoshihiro Tatsumi ha deslumbrado a propios y extraños. Entre sus lectores asiduos y sus fans más devotos se encuentra el cineasta Eric Khoo, que tomó prestada la autobiografía del genial mangaka, Una vida errante, y cinco historias cortas para dar el paso de la viñeta a la gran pantalla. Un fotógrafo que deambula por una Hiroshima devastada, un obrero amigo de un mono, un jubilado que decide pasar sus últimos días entre mujeres, una chica dispuesta a romper cualquier vínculo con los hombres y un dibujante que va a ser despedido. Cinco historias y una inmensa figura: Tatsumi.
De esta la verdad es que no me esperaba nada, no conocía al autor en el que se basa la película ni su obra, con muy poca gente en la sala empieza la proyección.
La película va alternando la vida del autor con 5 historias suyas propias, todo con un estilo anime bastante partículas.
En cuanto a las historias, unas tienen más calidad que otras pero personalmente me quedo con la primera sobre la bomba de Hiroshima y la segunda sobre el mono, bastante crudas las dos.
Un film bastante especial que aún sin conocer la obra del autor se puede disfrutar igualmente, eso si, la temática de todos los relatos es bastante adulta y nihilista.
Lo mejor: La 1ª y 2ª historia.
Lo peor: La historia del autor que a mi ni fu ni fa, estaba deseando que se acabase para ver la siguiente historia corta.
WOMB
Alemania/Hungría/Francia. 2011. Director: Benedek Fliegauf Producción: Gerhard Meixner, András Muhi, Roman Paul Guión: Benedek Fliegauf Fotografía: Péter Szatmári Montaje: Xavier Box Música: Max Reichter Sonido: Tamás Beke, Benedek Fliegauf Interpretes: Eva Green, Matt Smith, Lesley Manville, Peter Wight, István Lénárt
Sinopsis: Tras quedarse prematuramente viuda, Rebecca decide usar los avances en la clonación para fecundarse con el tejido de ADN de su marido. Acompañándola a través de su difícil maternidad en solitario, nos daremos cuenta de que a medida que crezca el niño se irá convirtiendo en una réplica exacta de su "padre", despertando en Rebecca una ambigua sensación entre el instinto maternal y el deseo de recuperar a su amor perdido. Situada en un futuro indeterminado, Womb lleva la ciencia-ficción hasta los territorios del drama intimista, de pocas palabras, imágenes sugerentes e interpretaciones brillantes.
Dudas morales y éticas es lo que plantea el director al espectador durante todo el film, obligándonos a juzgar y a juzgarnos a nosotros mismos y ha reflexionar sobre lo que está bien y lo que haríamos nosotros en un caso similar.
Historia, interpretaciones y todo en general muy bien, la pega es que se hace excesivamente lenta y eso adolece el resultado final.
Lo mejor: Las dudas que nos surgen a lo largo de la película sobre como actuaríamos en esa situación.
Lo peor: Lenta.
APOLLO 18
Estados Unidos. 2011. Director: Gonzalo López-Gallego Producción: Timur Bekmambetov, Michele Wolkoff Guión: Brian Miller Fotografía: José David Montero Montaje: Patrick Lussier Sonido: Darren Brisker Efectos visuales: Dennis Sedov, Terry Hutcheson Interpretes: Lloyd Owen, Warren Christie, Ryan Robbins
Sinopsis: Ya se sabe que la carrera espacial contiene algunos de los secretos mejor guardados. Y que un viaje lunar puede ser uno de los mejores aliados para el terror. En 1972, los Estados Unidos mandaron a dos astronautas a la luna en una operación fallida. Las grabaciones del equipo, guardadas y ocultadas por la NASA, salen ahora a la luz, desvelan los porqués del fracaso de la misión y revelan la existencia de una misteriosa presencia en el espacio exterior. El director de El rey de la montaña se sube al cohete de una producción estadounidense para terminar realizando una de las cintas de terror espacial más escalofriantes y fascinantes desde Alien, el octavo pasajero.
Y esta era la mas esperada, no solo por mi, la sala llena lo ha corroborado.
El principio es un coñazo, y lo que podía parecer una propuestas original como ir intercalando distintos tipos de cámaras y grabaciones queda como algo fallido.
Me he quedado grogui un par de veces por que realmente no me interesaba lo que estaba pasando en la pantalla, al final lo cosa mejora un pelín y la película se vuelve mas intensa.
Y hoy ha tocado un día de 3D, empezando por un conejito siniestro para continuar con un monstruo marino que se las hará pasar canutas a unos buscadores de petróleo, y para finalizar un futuro desolador en una gran empresa.
Sinopsis: El 3D tiene estas cosas: estás tranquilamente en la butaca del cine y de repente aparece un conejito de peluche volando hacia ti. Esto es lo que le pasa a un niño que, inmerso en un drama familiar, ve como todo se vuelve aun más pesadillesco cuando el dichoso peluche entra de lleno en su vida. Su padre, entre la locura y la depresión, y su hermana, que ha dejado de hablar, se sumergirán también en este viaje delirante. Los conejitos tienen estas cosas: que son absolutamente terroríficos (lección aprendida de David Lynch y de Donnie Darko), y más si es bajo la dirección de Takashi Shimizu y la fotografía de Christopher Doyle.
La película comienza bien y se mantiene estable hasta casi la mitad, donde la cosa ya se empieza a torcer y a torcer, a enredar y a enredar.... Llegando a un punto en que ya te la repela todo lo que pase.
El 3D... la única por ahora en Sitges que lo ha aprovechado realmente, aunque haya sido para 2 escenas contadas (muy chulo tener al conejito de peluche a unos centímetros tuyos), pero vamos, la chorradita de siempre.
Tiene alguna escena inquietante y algún punto que se salva como el diseño del conejo y la estética que esta bien llevada, pero lo dicho, desarrollo y final que decepcionan.
Lo mejor: La estética y alguna escena malrollera. Tener al conejo de peluche a unos centímetros.
Lo peor: La trama no convence y acaba fastidiándose a si misma.
SECTOR 7
Corea del Sud. 2011. Director: C Producción: Sean Lee, JK Youn Guión: Kim Hwi, JK Youn Fotografía: Lee Doo-man Montaje: Wang Sung-ik Música: Kim Sung-hyun Efectos visuales: Jang Seong-ho Efectos especiales: Yoon Dae-won Interpretes: Ha Ji-won, Ahn Sung-ki, Oh Ji-ho, Lee Han-wi, Park Chul-min
Sinopsis: El Eclipse tiene la misión de excavar en el fondo marino para ver si es posible encontrar petróleo en el Sector 7; pero las oficinas principales dan la orden de terminar con el proyecto. Jeong-man llega al Sector 7 para supervisar la retirada, pero el encargado del equipo Eclipse se muestra claramente contrario a abandonar el lugar. En su última y desesperada excursión, el grupo pierde contacto con la base; encima, algo parece moverse ahí fuera. ¿Creían que The Host era flor de un día? No, señores: el gran monstruo del terror coreano aún estaba por llegar... y para colmo, lo hace en tres dimensiones.
La película se podría definir como una lucha contra el malo final de un videojuego. Me explico.
Aparece así de golpe y primero te lo cargas medio fácil, o eso parece, avanzas un poco mas y vuelve mas mosqueado y mas fuerte, pues así sucesivamente hasta que queda un protagonista y llega la lucha final.
El diseño del bicho tampoco mata mucho, me suena de haberlo visto en algún videojuego.
Los personajes... no te encariñas con ninguno la verdad y te da igual que vayan cayendo, yo desconecté automáticamente en varios momentos del film.
Eso si, los minutos finales muy chulos, animando un poco el film que hasta ese punto era bastante soso.
Incluye incongruencia argumental que nunca llegue a ser explicada (EJEM... ESPERMA... EJEM).
El 3D, como la mayoría, no se ha notado en ningún momento.
Lo mejor: Los minutos finales.
Lo peor: Si cada x minutos desconectas es que algo falla en la película.
CARRÉ BLANC
Francia/Luxemburgo/Rusia/Bélgica/Suiza. 2011. Director: Jean-Baptiste Léonetti Producción: Benjamin Mamou, Jean-Baptiste Léonetti, Donato Rotunno Guión: Jean-Baptiste Léonetti Fotografía: David Nissen Montaje: Alex Rodriguez, Eric Jacquemin Música: Evgueni Galperine Sonido: Edgar Vidal, Alain Sironval, Gabriel Hafner Interpretes: Sami Bouajila, Julie Gayet, Jean-Pierre Andreani, Fejria Deliba, Valerie Bodson
Sinopsis: En un mundo deshumanizado, el pequeño Philippe malvive junto a su madre. Tras un intento de suicidio, entra en rehabilitación. Veinte años más tarde, Philippe se ha vuelto un ejecutivo agresivo y calculador que somete a sus empleados a toda clase de pruebas; su esposa Marie observa con desazón cómo ambos se han convertido en extraños. El destino está a punto de cambiar cuando Marie decida luchar contra el sistema para salvar su amor. Bajo su aspecto de ciencia ficción fría y con tintes tarkovskianos, Carré Blanc esconde una profunda emoción y una buena dosis de humor negro.
Y llega la sorpresa del día y lo mejor de todo...¡NO ES EN 3D!
Estamos ante un drama con toques de humor negro que me han parecido geniales.
Lo historia trata sobre una sociedad futura totalmente deshumanizada y educada desde pequeña para obedecer a la empresa y darlo todo por ella.
Momentos descojonantes y surrealistas como "las pruebas de selección" que son geniales.
Lo acojonante de todo es que por muy surrealista que se ve, no estamos tan alejados de llegar a estos extremos.
Lo mejor del día sin duda.
Lo mejor: El humor negro. La crítica de hacia donde vamos.
Ya falta cada vez menos para finalizar este festival y nos encontramos con un séptimo día de lo más decepcionante.
Una de monjes Shaolines, otra sobre una bella durmiente que te deja dormido y para rematar una historia de vampiros de lo más sosa.
Estéis listos o no, ¡allá vamos!
SHAOLIN
Xina/Hong Kong. 2011.
Director: Benny Chan Producción: Albert Lee, Benny Chan, Shi Yongxin Guión: Cheung Chi-kwong, Zhang Tan, Chan Kam-cheong, Wang Qiuyu, Alan Yuen Fotografía: Pun Yiu-ming Montaje: Yau Chi-wai Música: Nicolas Errera, Anthony Chue Sonido: Steve Burgess Interpretes: Andy Lau, Nicholas Tse, Jackie Chan, Fan Bingbing, Bai Bing
Sinopsis: Estamos a principios del siglo XX. Un general irrumpe en un pueblo, que tras su paso queda devastado. Los monjes de un templo cercano observan perplejos las acciones del cruento general. Mientras, una mujer planea hacerse rica con el matrimonio entre su hijo y la hija del general. Cuando todo parece listo para que triunfe la codicia, los monjes deciden plantar cara y luchar contra los invasores. El genio del cine de acción made in Hong Kong Benny Chan nos deleita con esta joya de artes marciales con Andy Lau, Jackie Chan en un cómico cameo y auténticos monjes Shaolin haciendo piruetas imposibles.
Este genero nunca ha sido de mis favoritos, es mas, si puedo evitarlo lo evito, pero hoy he ido con la mente abierta ya que la tenia que ver o pasarme las 2 horas y poco que dura fuera sin hacer nada, así que me he puesto a ello.
Y la verdad no es un peliculón, pero tampoco es el bodrio que me esperaba.
Estamos ante una historia bastante clásica con elementos como la codicia, la traición, la venganza y la redención.
Pero la peli va avanzando y no se me va haciendo pesada, van pasando cosas a lo largo de todo el film y no se hace tan monótono como esperaba.
El final bastante chulo para mi gusto aunque un pelín alargado.
Lo mejor: La trama aunque clásica, convence. Los escenarios y la destrucción final.
Lo peor: Que te esperes una de ostias de las de toda la vida.
Sleeping Beauty
Australia. 2011.
Directora: Julia Leigh Producción: Jessica Brentnall Guión: Julia Leigh Fotografía: Geoffrey Simpson Montaje: Nick Meyers Música: Ben Frost Sonido: Sam Petty Interpretes: Emily Browning, Rachael Blake, Ewen Leslie, Peter Carroll, Chris Haywood
Sinopsis: Lucy combina su vida de universitaria con encuentros sexuales que le ayudan a pagar los estudios. Un día, le ofrecen trabajar como camarera en lencería fina para hombres de clase alta. Apreciada por su jefa, Lucy no tardará en conseguir una prueba como Bella Durmiente. El encargo resulta aparentemente sencillo: cada noche, Lucy tomará una pastilla, se tumbará en la cama de una misteriosa habitación y dormirá; y, sobre todo, nunca deberá saber qué ha pasado en ese rato. Apadrinada por Jane Campion, Sleeping Beauty convierte el clásico infantil en un terrorífico cuento de sexo y decorados tan lujosos como fríos.
Y si "The other side of sleep" me pareció una tomadura de pelo, esta directamente sale la directora de la pantalla, te mete una ostia y se ríe de ti, a la espera por supuesto de que llegado el final le aplaudas para quedar delante del resto de la sala como que entiendes la ostia de cine y los que no aplauden son unos infra seres.
La tomadura de pelo es mayúscula, si ya de por si la trama al principio puede parecer jugosa, cae saca vacio al poco y ya te intuyes por donde van a ir los tiros.
Mosquea que lo que parezca que lo único que tiene que enseñar esta película son a tías con trajes raros y enseñando las tetas y colgajos de viejos. Guau, que transgresora es señora directora.
En medio de la trama se encuentran cosas secundarias como el amigo y la familia que total, al final se lo terminan pasando por el forro, y todo esto aún tendría su aquel si no fuera por el final.
La película solo tiene principio y nudo, el desenlace no hace falta, que así queda mas guay la peli.
Y es que tenemos un final de mierda, que ni es final ni es nada, no resuelve nada y no aporta nada, es como si en ese momento la directora decidiera que a tomar por saco, que se acaba en ese momento la peli y ale.
Por no hablar del bochornoso ultimo plano que nos tiene reservado.
Y aparecen los créditos y la cara de subnormal no podría ser mayor.
Lo mejor: Fuera estaban haciendo unas jotas y hacía más soportable la película, convirtiéndose en banda sonora y consiguiendo sacar alguna sonrisilla.
Lo peor: Que le de a la directora por hacer Blancanieves.
The Moth Diaries
Canadá/Irlanda. 2011.
Directora: Mary Harron Producción: Karine Martin, David Collins Guión: Mary Harron, basat en la novel·la de Rachel Klein Fotografía: Declan Quinn Montaje: Andrew Marcus Música: Lesley Barber Sonido: Simon Poudrette Interpretes: Lily Cole, Sarah Gadon, Sarah Bolger, JudyParfitt, Scott Speedman
Sinopsis: La adolescencia es y será siempre una época de confusión emocional, sobretodo si la pasas en un ambiente cerrado. Es el caso de Rebecca, alumna de una elitista residencia femenina. La joven plasma sus pensamientos en un diario, cuyas páginas se centran en Lucie, su compañera de cuarto. Su relación da un vuelco con la llegada de una nueva estudiante, Ernessa, cuya amistad con Lucie pronto despertará rumores de todo tipo, hasta el punto de llevar a Rebecca a la sospecha de que Ernessa es un vampiro. ¿Hay algo de verdad en todo ello o estará Rebecca deslizándose hacia la locura? Una brillante puesta al día de los cuentos góticos, basada en la exitosa novela de Rachel Klein.
Mira que American Psycho me gustó, y que confiaba en que la directora me volviera a sorprender pero oju... que tostonaco.
La película esta llena de tópicos y en ningún momento te hace mantener el interés en lo que está pasando, parece un film de "chicas en el insti" metiendo un toque oscuro con la llegada del vampiro, pero vamos, que no lo consigue.
Aburrida, pastelaca y con ganas de que llegue a su fin antes de aproximarse a la mitad del film.
Si Norman Bates levantara la cabeza...
Lo mejor: Llegar a casa, re visionar American Psycho y pensar que la obligaron a dirigir esto.
Lo peor: Que aquí tenga éxito, vendiéndola como derivado de Crepusculo.
Y mañana toca una doble de 3D, que no pase nada...
Y tenemos un sexto día con una calidad bastante superior a la media.
Nos veremos las caras primero con una de acción pura y dura con policías y delincuentes destrozándose en un bloque de pisos, para continuar una sobre un negocio que esconde algo muy chungo y para terminar asistiremos a una visión del apocalipsis interior muy especial.
¡Despegamos!
THE RAID
Indonesia. 2011. Director: Gareth Evans Producción: Nathaniel Bolotin, Todd Brown, Ario Sagantoro Guión: Gareth Evans Fotografía: Matt Flanery Música: Aria Prayogi, Fajar Yuskemai Interpretes: Iko Uwais, Doni Alamsyah, Yayan Ruhian, Ray Sahetapy, Joe Taslim
Sinopsis: Todo el mundo en Jakarta sabe que en los barrios bajos de la ciudad hay un edificio que sirve de refugio para los criminales más peligrosos de Indonesia. Algo así como una fortaleza del mal cuya leyenda crece día a día y a la que incluso la policía teme acercarse. Pese a ello, un grupo de fuerzas especiales de élite intentará derribar sus defensas y penetrar en sus entrañas. Pero la operación no sale según lo previsto, y los policías se encontrarán atrapados en el edificio, sin escapatoria posible y rodeados de asesinos y gángsters. Un adrenalínico filme que vuelve a reunir al director Gareth Evans y a la estrella de la acción Iko Uwais tras la exitosa Merantau.
Menudo festival de ostias y tiros que nos espera desde el primer momento del film.
Y es eso lo que vas a ver durante los 100 minutos que duran, mas tiros y mas ostias, pero eso si, bien rodados y que se pasan enseguida. Todo gracias a unos muy buenos efectos, una buena labor de dirección y unas coreografías que quitan el hipo.
Diversión y entretenimiento en estado puro.
Lo mejor: Que después de 100 minutos de tiros y ostias tan bien rodados te quedas con ganas de seguir viendo más.
Lo peor: Que te esperes una gran historia.
Trabalhar cansa
Brasil. 2011. Directores: Juliana Rojas i Marco Dutra Producción: Maria Ionescu, Sara Silveira Guión: Juliana Rojas, Marco Dutra Fotografía: Matheus Rocha Montaje: Caetano Gotardo Sonido: Gabriela Cunha Interpretes: Helena Albergaria, Marat Descartes, Naloana Lima, Marina Flores
Sinopsis: Todo lo que comienza mal acaba bien. Y viceversa. Helena acaba de cumplir un sueño: abrir su primer negocio, un colmado. Su trabajo en la tienda hará que decida contratar a Paula, una asistenta que cuidará de su casa y de su hija. Las cosas se complicarán cuando a su marido, que ha perdido su empleo, le cueste horrores encontrar un nuevo trabajo; y cuando Helena vea que uno de los muros del edificio se está desmoronando. Una de las sensaciones del pasado festival de Cannes, Trabalhar cansa parte de lo cotidiano para terminar en un sugerente malrollismo digno del mismísimo Cronenberg.
Raras son las sensaciones con esta película.
Por un lado no me he aburrido en ningún momento, cosa digna de admiración ya que en la película realmente no pasa casi nada.
La sensación de que cada vez la cosa va a ponerse mas chunga también se nota y transmite un poco de mal rollo, eso bien.
Pero llega al final y la cosa se desinfla todo, no por que descubrimos que está detrás de todo, si no por que la reacción me parece de lo más absurda e ilógica que deberían tomar los protagonistas dada su situación.
Lo mejor: La creciente incomodidad.
Lo peor: La ilógica reacción final.
BELLFLOWER
Estados Unidos. 2011. Director: Evan Glodell Producción: Evan Glodell, Vincent Grashaw Guión: Evan Glodell Fotografía: Joel Hodge Montaje: Evan Glodell, Vincent Grashaw, Joel Hodge, Jonathan Keevil Música: Jonathan Keevil, Kevin MacLeod Efectos visuales: Wyatt Glodell Interpretes: Evan Glodell, Jessie Wiseman, Tyler Dawson, Rebekah Brandes, Vincent Grashaw
Sinopsis: ¿Quién dijo que el cine post-apocalíptico no resultaba inspirador? Sus enseñanzas han llevado a Woodrow y a Aiden a construir multitud de armas y tunear vehículos para, en caso de que estalle la hecatombe nuclear, ser los más duros de la carretera. Todo cambiará el día en que Woodrow conozca a Milly y el amor se introduzca en su vida. Una bonita historia sin final feliz que hará que Woodrow descubra que que un corazón roto en mil pedazos puede desatar el Apocalípsis. Con su rodaje de guerrilla, su romanticismo épico y su apabullante estética, Bellflower está llamada a convertirse en filme de culto y en una de las sensaciones de la temporada.
Y aquí llega la mayor sorpresa personal del festival para mi gusto.
Ya tenía buena pinta y le tenía ganas y la verdad es que el resultado no podía ser mejor.
Ante todo no estamos delante de una película normal, los que la vean ya lo entenderán, es un producto muy especial y no creo que guste a todo el mundo.
Hay pocos films con los que he tenido una sensación rarísima en el estomago mientras los veía y se ha hecho mas fuerte al llegar a su final, este es uno de ellos. Llegan los créditos y sigo con la boca abierta y alucinado.
Visualmente es genial y el último capítulo apoteósico.
Pasamos del amor, al desamor y del desamor a la destrucción del propio ser y a mi parecer ninguna película a conseguido transmitir tan bien esa sensación de hecho mierda como esta.
Mención a parte a la música, que ha hecho que se me pongan los pelos de punta en más de una ocasión.
Un film diferente sobre la amistad, el amor, el desamor y el apocalipsis interior.
Un corazón roto en mil pedazos puede desatar el Apocalípsis
Lo mejor: Haberla descubierto y haberse convertido en film de culto y referencia personal desde el primer hasta el último fotograma.
Y el 5º día en Sitges ha dado para un poco de todo, empezando por una historia de venganza bastante atípica, continuando con una prueba para conseguir trabajo bastante dura y terminando por una fabula tradicional china con Jet Li.
¿Os venís?
Revenge: A love Story
Hong Kong. 2010 Director: Wong Ching-po Producción: Conroy Chan Guión: Jill Leung, Wong Ching-po Fotografía: Jimmy Wong Montaje: Cheung Ka-fai, Wong Chin-po Música: Dan Findlay Interpretes: Juno Mak, Sola Aoi, Lau Wing, Chiu Siu Ho, Wong Shee Tong
Sinopsis: De la mano de los productores de Dream Home nos llega ahora otra muestra de crítica social propulsada por la violencia extrema. Kit es un asesino peligroso que no tiene compasión alguna a la hora de matar policías (e incluso a las esposas de estos). Su furia ciega contra las fuerzas del orden tiene su origen en el día en que un policía violó a su novia, despertando una bestia que no se amansará con facilidad. La estrella del pop Juno Mak protagoniza con convicción esta película surgida de una idea original suya, que da vueltas en torno a la degradación moral que conlleva toda venganza y que asocia al actor con todo un maestro del thriller como Wong Ching-po.
No tenía muchas esperanzas puestas en esta y como suele pasar me ha sorprendido muy gratamente.
El director narra una historia de venganza empezando poniendo al protagonista como asesino desalmado, como monstruo para posteriormente mostrarnos que fue lo que le pasó para actuar así.
Y la historia es dura, sobre la violencia, la corrupción y el poder... y sobre la venganza, o eso cree uno a lo largo de la película, hasta llegar a una ultima vuelta de tuerca final que es genial y pasas de creer a que la película trata de la venganza a comprender que trata del perdón.
Geniales actuaciones y el trabajo de dirección en si, con secuencias muy tensas y que realmente consiguen captar la angustia de los protagonista.
Te zarandea al principio hacia un polo, para luego darte una bofetada y mandarte al otro y cuando ya estas totalmente convencido te hace que pares, reflexiones y dudes de tu propia ética.
Ojo por ojo y el mundo se quedó ciego.
Lo mejor: La manera en la que te hace plantearte las cosas a lo largo de la película. La pareja protagonista. La dureza. La vuelta de tuerca final.
Sinopsis: Las entrevistas de trabajo no son lo que eran. Sino, que se lo pregunten a cinco individuos, de carácter absolutamente dispar, que se encuentran en un despacho a punto de someterse a la entrevista más radical de sus vidas. Sin teléfonos móviles y ataviados con traje, los cinco emprenden un viaje en camión. Tras un extraño accidente, despiertan en medio de un desierto. ¿Acaso todo eso forma parte de la carrera para conseguir el empleo? ¿Cómo reaccionará cada uno de ellos? El debutante Talal Selhami plantea una película de cámara nerviosa y violencia in crescendo.
Discordantes las sensaciones visionando esta película.
Si bien el punto de partida es bueno y da para mucho juego hay que tener en cuenta que estamos ante una película que transcurro el 90% de ella en un desierto, con lo cual tienes que estar dando caña constantemente para que no se haga un suplicio.
Si bien tiene momentos buenos y gracias a las diferencias entre los protagonistas la cosa se mantiene bastante digna llega un momento en que empieza a ser fatigante y lo peor de todo, inverisimilitudes que no llegan jamás a explicarse y el espectador tiene que comérselas con patatas. Y no cuelan.
No se explica ni el porque de las visiones (si bien algunas se podrían entender a causa del cansancio, no se entienden las que aparecen nada mas llegar), por que una de las visiones puede materializar elementos e incluso interactuar con el medio, por que el conductor se pira y los deja encerrados... etc... etc...
Le sobra también la parte final que no hace otra cosa que marear más la perdiz sabiendo ya que la cosa está terminada.
Lo mejor: El punto de partida y las diferencias entre los personajes.
Lo peor: El final y las inverosimilitudes.
The Sorcerer and the White Snake
China. 2011. Director: Tony Ching Siu-tung Producción: Chui Po chu Guión: Zhang Tan, Tsang Kan-cheng Fotografía: Venus Keung Montaje: Angie Lam Música: Mark Liu Interpretes: Jet Li, Eva Huang, Raymond Lam, Charlene Choi, Wen Zhang
Sinopsis: Mientras viajaba por las montañas, el joven Xu Xian cayó accidentalmente al lago. Por suerte (o por desgracia), encarnada en una bella mujer, la Serpiente Blanca lo salvó. Apasionada por Xu Xian, esta no tardará en infiltrarse en el mundo de los humanos y casarse con él. Por suerte (esta vez sí), el mago Fa Hai hará lo posible para deshacer el hechizo que tiene a Xu Xian atrapado. "No creas todo lo que ven tus ojos", dice uno de los protagonistas. Lo que verán aquellos que se adentren en The Sorcerer and the White Snake es un desfile de espectaculares efectos especiales con un Jet Li en pleno apogeo y una historia de épica sin parangón.
Y para terminar esta fabula cargada de magia y efectos especiales que no ha terminado de ser de mi agrado.
El primer punto y el mas importante, los efectos digitales. Son dignos de "superproducción" para la TV, rozan lo cutre y se nota tanto que es ordenador que le quita toda la magia y el encanto a la historia, y me fastidia por que estando esto mas trabajado uno podría sumergirse en la historia y disfrutarla en vez de estar pensando pufff... que canteo de ordenador.
La historia en si esta bien e incluso me emocionó llegada a su parte final, pero lo dicho, los efectos fastidian la experiencia.
Lo mejor: La historia. Las criaturas.
Lo peor: Esos efectos digitales de vergüenza ajena.
LOS EFECTOS SECUNDARIOS DE ESNIFAR TIZA
